"Raw Power" de Iggy and The Stooges

Yo y bastantes amantes del rock siempre hemos defendido a Iggy Pop. Iggy ha sido un maestro del rock, un personaje que nos recuerda al payaso de la clase, ese que le gustaba exhibirse en público, hacer gamberradas y –en este caso- disfrutar del loco ritmo del rockandroll. Este disco me lo recomendaron y prestaron a los pocos días de ver la peli “Transpotting” y flipar con la intro de “Lust for life”. Mientras lo escuchaba sabía que eso era el punk de los setentas y que eso me gustaba; The Stooges al completo poco a poco me clavaron en el insconciente sus canciones: “Search & Destroy”, “Gimme Danger”, “Penetration” y especialmente “Raw Power” canción que versionaron los Guns and Roses y que es lo mejor de mejor. Esto es punkrock mis acólitos, el resto, es poco. Flipa aquí.

“A date with Elvis” de The Cramps

En la historia del rock han existido poquísimas bandas que puedan conjugar el lado más salvaje del rock con los sonidos del garage de los 60´s, si el resultado es bueno, y sin haber vivido esa época, el mérito es mayor. The Cramps, es una de esas bandas, capitaneados siempre por la voz inconfundible de Lux Interior y la guitarra de Poison Ivy, publicaron una serie de discos en los que se mezclaban el rockandroll, el surf, punk, la serie b y el glamour sexual. De ellos, rescatamos uno de los más notables, el favorito de su servidor: “A date with Elvis”, un trabajo imprescindible, con canciones tremendas y concisas como "Can Your ... Do The Dog?" o “What´s inside a girl?”; amigo Lux, allá donde estés, danzaremos juntos rodeados de pin ups y esqueletos. Escúchalo aquí.

“Electric Warrior” de T. Rex

Los setentas nos dieron estrellas que el tiempo y el gran público (término que en el mundo de los modernos se utiliza para definir a la borregada que se traga lo que le pongan en las revistas pretenciosas y en las webs especializadas) no han sabido apreciar del todo. De ellos, quizá el más conspicuo e infravalorado personaje sea Mark Bolan, es decir, T. Rex, que con “Electric Warrior” consolidó su sonido y propuesta musical, de hecho, yo siempre he creído que si el bueno de Mark no hubiera hecho que hizo, payasos como Axl Rose no hubieran existido jamás, así de claro amigos, en el rock ya se sabe que vivimos el “eterno retorno” más que cualquier otro estilo y bueno, decir que este disco contiene verdaderos himnos, como “Cosmic dander”, “Life´s a gas” y “Bang a gong (Get it on)”, de mis favoritas forever, check it out aquí.

“The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars”

“…disco de mi vida”; “este es un discazo en condiciones...”; “el mejor disco de Bowie…”; “sin duda, no sobra ni un tema, discazo, imprescindible…”. Estas frases las hace gente conocedora del rock en torno al disco “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars” de David Bowie. No creo que sea necesario decir mucho de este ídolo de masas, camaleón imperturbable que durante décadas nos ha deleitado con discos imprescindibles para la música moderna. Bowie, en un ataque de creatividad suprema, creo a Ziggy Stardust, un alienígena bisexual y andrógino, que acompañado de su banda, viene a advertirnos que la tierra tendrá su fin en cinco años. Ziggy se convierte en una estrella de rock y cae en decadencia. Las canciones, ordenadas por orden – como si fueran capítulos de un libro- nos detallan su historia, siendo las del lado B las más glamrock. Ziggy Stardust está vivo, Ziggy Stardust vive aquí.

"Nocturne" de Siouxsie and the Banshees

Sobre este disco, copio y pego lo que dice mi compadre Pepe/owai: en el caso de Siouxsie Sioux, un momento verdaderamente memorable en su carrera discográfica tiene nombre de noche: Nocturne. Ya habían transcurrido siete años luego de que Siouxsie hubiera comenzado a presentarse en el circuito under de Londres; sobreviviendo además al punk y conviviendo posteriormente con el postpunk, new wave y hasta siendo tildados como "góticos". Cualquiera que fuera el frente musical, Siouxsie and the Banshees había hecho lo mejor y había demostrado su vigencia en escenarios pequeños, medianos o grandes. Y este concierto presta especial atención a esa capacidad. Lo hace porque nos presenta a una Siouxsie rodeada de tres excelentes músicos…y un señor que tiene una banda con la cual se gana el pan para vivir llamado Robert Smith. Una presentación en un escenario como este, mereció precisamente ser registrado tanto en audio como en video, porque permitió ver cómo alrededor de la obra sonora de esta mujer, ser reunieron dos generaciones de seguidores. Los de los setenta a quienes se les dio gusto con temas como la clásica rendición sonora a The Beatles (Helter Skelter), los tempraneros de los ochenta con canciones como: Israel (Es la primera canción del disco, que es además introducida con un fragmento del Rito de la Primavera de Igor Stravinsky, una clara transgresión musical, que regresa a 1983 el espíritu del choque), los new wavers con temas como: Painted Bird y, sin olvidar a los siniestrecillos y nerviositos góticos (como diría mi carnal), a quienes les dieron una elegía propia: Voodoo Dolly. Nocturne es una experiencia sonora que nos permite revivir aquella posibilidad de tener en esta mujer, a un heroína sonora sin par. Aquí.

“Wild Teen Punk From Peru” de Los Saicos

Escribió Roberto Bolaño en “Los detectives salvajes” que a los latinoamericanos el horror no nos impresiona tanto como a los demás. Seguramente sea así, porque esa extraña cualidad se transforma en una sensibilidad especial, y en algunos casos, cuando se da el talento necesario, hace que los movimientos sociales se transformen en arte. Es el caso de Los Saicos, banda peruana que en los sesentas publicó un disco de punk, cuando este término no existía ni siquiera en el Reino Unido. Por primera vez, los jóvenes latinos –los peruanos sobretodo- disfrutaron de un producto cultural que estaba al nivel de lo que escuchaban sus contemporáneos estadounidenses y europeos; escucharon y bailaron canciones rápidas, furiosas, viscerales y divertidas, nada de cumbia, ni mambo, ni guacharaca, escucharon punk rock. “Wild Teen From Peru” es un recopilatorio de la corta carrera de la banda peruana, en el que sobresalen “El entierro de los gatos”, “Ana”, “Camisa de fuerza” y ese himno de la juventud que gusta bailar a lo troglodita disfrutando a tope el loco ritmo del rock and roll: “Demolición”. Aquí lo tienes.

Black Sabbath

Sólo los grandes son capaces de romper moldes, de crear tendencia, de influir en el devenir de la música. Y grandes fueron y serán cuatro muchachos ingleses que grabaron este disco en 1970, explayándo sus influencias de blues negro y música popular en canciones oscuras, densas, lúgubres, simples y directas, que más tarde –y casi sin quererlo- se convertirían en los pilares del rock pesado. Sus letras reflejan la negatividad, ostracismo y decadencia a la que puede llegar la especie humana. Todos los amantes del loco ritmo del rock and roll -y de la música en general- le rendimos honores aquí a la banda más heavy del planeta: Black Sabbath.

“Fever to tell” de Yeah Yeah Yeahs

Rara vez las bandas modernas se caracterizan por la sencillez, que no es igual a simpleza. Con el fin de ser “chic” y de convencer a la juventud que sigue la moda, se presentan reciclando sonidos de otro tiempos y vistiendo ropa de diseñador. El caso de Yeah Yeah Yeahs podría ser uno más de este tipo de bandas, pero no es así, primero porque su actitud punkrocker les aleja de los cliches del modernizmo musical y segundo, porque su primer disco (oficial) “Fever to tell” es una pequeña joyita que mezcla punkrock del básico, new wave y cierto toque arty que atrapa desde la primera escucha, al igual que su cantante Karen O, una delicada fémina que puede aullar –o no- como cualquier cantante masculino de rock. Escuche usted canciones como “Maps”, “Y Control”. “Black Tongue”, “Date with the night” y se dará cuenta de lo que es capaz un banda enérgica, ruidista, zumbante y moderna; por aquí.

"Damned, Damned, Damned" de The Damned

Algunos dicen que el punk rock fue, además del experimento comunista ruso, una de las grandes bromas del siglo XX. Yo no lo sé de cierto, lo supongo, como dijo un poeta. De lo que sí estoy seguro es que existen bandas precursoras del sonido punk; en el caso de The Damned ese espíritu se condensa en su primer disco "Damned, Damned, Damned", una joya que brilla por sus canciones aceleradas y juveniles, influenciadas por el rock de siempre e incluso por aires de surf (versión de The Stooges incluída). El futuro no llegó, el presente apesta, deja de leerme, pero sacude tu mente y cuerpo con “Neat, Neat, Neat”, “Fan Club” y “New Rose” aquí.

“Another Music in a Different Kitchen” de Buzzcocks

Aun no entiendo por qué nos gusta tanto echar la mirada al pasado. Seguramente porque los amantes del rock sabemos que antes había grupos que podían combinar de forma letal furia punk y sensibilidad pop. Sí, y porque Buzzcocks eran una de esas bandas pioneras que con su primer disco “Another Music in a Different Kitchen” demostraron poseer energía instrumental, agresividad rítmica, cinismo lírico y querencia por el buen pop. La unfluencia tanto de los Sex Pistols como de Velvet Underground, The Who, Stooges, Troggs (de quienes versionaron “I can’t control myself”) y en general del garaje y el beat de los sesentas, hará que los Buzzcocks te pateen el trasero, aquí.

Wanda Jackson: "Queen of rockabilly"

Las mujeres, esos destellos de eternidad que siempre han sido y serán parte intrínseca de nuestras vidas, también han estado presentes en el mundo del rock and roll. Si bien la cosa empieza con el jefe Elvis, Wanda Jackson contribuyó a que el mundo entendiera que las chicas no sólo pueden hacer labores domésticas, sino que saben divertirse como cualquiera. Llamada –y con razón- la reina del rockabilly, la música de Wanda es una mezcla de rock and roll clásico con un rockabilly primigenio de gran calidad y solidez, y está poseída por esos ritmos que en algún momento ayudaron a que la juventud se descarriara, se pervirtiera y rebelara al compás del loco ritmo del rock. En esta ocasión le traemos un selecto compilado con algunos de sus mejores temas, mucha atención a “Head headed Woman”, “Honey Bop”, “Fujiyama Mama”, “Cool Love” y “Let´s Have a Party” porque se apoderarán de sus extremidades para moverlas de forma compulsiva, por aquí.

“Face To Face” de The Kinks

Reino Unido, tierra de grandes tradiciones (imperialistas o no), siempre ha sido trascendental para los amantes del rock. De sus entrañas han salido bandas y artistas que crearon estilos, innovaron tendencias y reescribieron la historia musical. Dentro de este contexto, destacamos a uno de sus mejores ejemplares: The Kinks, que con “Face To Face” mezclaron rock y pop de manera magistral. De este disco se ha dicho casi de todo, que si retrata la sociedad inglesa de su tiempo, que si fue el inicio del fin y blablabla. Yo simplemente digo que es de lo mejor de su discografía. En el encontramos canciones cortitas, relajadas, pegajosas y homogéneas, todas exquisitamente british, de éstas destacamos: “Party Line”, “Rainy Day In June”, “Holiday In Waikiki” y la canción que para mí resume el rockpop universal: “Sunny Afternoon”. Admirados de lo inglés (o no), pasen por aquí.

“Roll with you” de Eli “Paperboy” Reed & the true loves

Algún filósofo dijo eso de que estamos condenados al eterno retorno, al hecho de que siempre, pero siempre, las cosas se repetirán una y otra vez. El rock and roll, como objeto de consumo pop, ha estado dominado por esta idea. Sin embargo, nosotros, los melómanos que siempre miramos hacía atrás, creemos que eso no es malo per se, que si bien las cosas se repiten, algunas de ellas lo hacen con sentimiento, pasión y ritmo. Es el caso de Eli “Paperboy” Reed, un muchacho de 24 años que con su disco “Roll with you” nos trae de vuelta esos sonidos soul con toques de rhythm & blues –o viceversa- de los sesentas. Eli no ha inventado nada nuevo, pero ha aprendido bien la lección: canciones pegadizas y energéticas, sin ataduras ni osadías, absorbentes, rompiendo moldes: un blanco suena como un negro de Alabama. No puedo dejar de escuchar la enérgica “Stake your Chaim”, el solo de saxo de “Take my love with you” y la sentimental “It´s easier”. Amantes del viejo soul, aquí.

“Songs of Leonard Cohen”

Siempre he creído que una obra maestra, un disco de los llamados clásicos, lo es por superar la prueba del tiempo, y no tanto la venta de discos. Es el caso del primer disco de Leonard Cohen, ya que algunas de sus canciones se han convertido en joyas atemporales de la música contemporánea. Ya poco se puede decir de la voz, presencia y melodía del señor Cohen, fuente de inspiración para cantantes de todo tipo, el canadiense nos ofrece en “Songs of Leonard Cohen” canciones con letras sobrias, emotivas y nostálgicas, que nos hablan de deseos incumplidos; de despedidas; de soledades. Y es así, porque “Suzanne”, “So long, Marianne” o “Hey, That´s no way to say goodbye” te pueden provocar lágrimas de hielo. La música del poeta devenido cantautor está aquí.

"Get Yer Ya-Ya’s Out!” de Rolling Stones

En bandas con una carrera tan larga, sinuosa y dilatada como la de los Rolling Stones, podemos encontrarnos lo que sea. Sin embargo, en este espacio intentamos quedarnos con lo mejor de todo y especialmente con aquellos discos que reflejan la grandeza de sus creadores. Es el caso de “Get Yer Ya-Ya’s Out!”, un disco en vivo de 1970 y que para muchos es la mejor grabación en vivo que hicieron los del ex filósofo Jagger. Y seguramente sea el mejor porque es una obra que sirve de testigo y testimonio de su época dorada, en el suenan algunas de sus mejores canciones (genial el comienzo con “Jumpin´ Jack Flash”; electrizantes con “Sympathy for the devil” y maestros con “Honky tonk women”), por no dejar de lado las versiones de Chuck Berry (Little queenie y Carol). Déjate llevar por la magia de las piedras rodantes aquí.

“El baile final de los locos y los cuerdos” de Los Coronas

Pasa algo raro con Los Coronas, a pesar de ser un grupo con gran técnica y versatilidad en el escenario, el gran público se le niega. Y es raro que sea así, porque “El baile final…” es de esos discos que no puedes escuchar una sola vez, no porque sea malo, sino porque si eres amante del surf; del rock de la vieja guardia; de la música que hizo Ennio Morricone para las pelis de vaqueros sesenteras, te posee y no te deja ir. Con valentía y coraje punk, pero sin integrismos, Los Coronas hacen que sus canciones tengan sabor a desierto, a rancho, a ganas de pasarlo bien, a fiesta en la playa, en definitiva a rockandroll bastardo. Locos y cuerdos, escúchenlo aquí.

Mexican rumble I

Lo más granado, salvaje y divertido del viejo rock and roll y garage mexicano está en este compilado. En el encontramos, entre otros, a “Los locos del ritmo”, “Los sinners” y “The pets”, cantando y tocando canciones instrumentales (atención a “El hombre frío”), versiones (genial “satisfacción”) y clásicos del ayer (brutal el punteo de “La chica alborotada”) que resultan sumamente solventes y alocadas. Apto para fanáticos de la vieja escuela y de los ritmos sesenteros, no espere más, haga de sus fiestas un enorme guateque, baile y disfrute con sus amigos el “shacke and rumble” y disfrute de la loca música del viejo rock and roll aquí.

“Hey! Let´s Party” de Mongo Santamaría

Mongo Santamaría, cubano, director de orquesta, compositor de música afrolatina y maestro de las congas; respetado entre los acólitos del jazz por sus composiciones que mezclaban éste género con ritmos más afrolatinos y de ligeros toques soul. De su extensa discografía se puede decir que sintetiza las fusiones entre música latina, R&B, Jazz, y Soul, armado de piano, saxo y hasta flauta. A través de las versiones de hits de los 60´s, “Hey! Let´s Party” es un disco que representa la máxima contribución de Mongo al mundo del pop, pero es algo más, porque los temas están “infectados” de energía y de un exquisito latinsoul que les hacen únicos. De esta forma, “In the mood”, “Satisfaction” o “I got you (I feel good)” son tocadas con una precisión brillante, te sacuden e incitan a dejarte llevar por el groove y el shake and roll, no esperes más, aquí está Mongo Santamaría.

"Vendeer" de José Gonzaléz

José Gonzaléz es un sueco nacido en Argentina, desde pequeño toca la guitarra y ahora que es adulto nos deleita con unas canciones sencillas que no simples e intimistas que no cursis. Melodías que parecen traídas del jazz estadounidense más exquisito y una voz que casi susurra, se unen en “Vendeer” para construir un disco de fácil escucha, que es, parafraseando a un buen amigo conocedor de la música moderna: “como si fuera jazz pero con una voz y una guitarra acústica” y seguro que es así, pero también es el tipo de disco ideal para cuando llegas a casa, agobiado por el trabajo y las dudas existenciales y lo único que quieres es tirarte en el sofá, leer y olvidarte de todo. Para todos ustedes, aquí está una pequeña joya.

“Boys and Girls” de Bryan Ferry

Existen músicos que la mayoría de nosotros convierte en “famosos” por haber formado parte de bandas míticas. Sin embargo, una vez que el elegido toma su camino en solitario, sólo unos pocos dedican su trabajo a mostrarnos lo que en verdad les gusta hacer. Si se me permite el simil (cosa obvia, dado que yo soy mi propio juez y parte en este su espacio musical favorito), el primer disco en solitario de un cantante es el equivalente del torero en medio de la plaza, si es bueno, una vez que demuestra su arte y acomete la estacada, ésta es letal. Es el caso de Bryan Ferry y su disco “Boys and Girls”. El ex vocalista y compositor principal de Roxy Music, es reconocido por un estilo vocal suave y en este disco por unas melodías emocionalmente bien conducidas, que saben a lejanía, a sueños húmedos y a cócteles en compañía (femenina o masculina según sea el caso). Atención a “Slaves to love”, un clásico. Aquí lo tienes.

“The pains of being pure at heart”

Desde este espacio no nos olvidamos de aquellos nuevos valores juveniles que, si bien pueden pasar sin pena ni gloria, nos emocionan con sus grabaciones. Es el caso de “The pains of being pure at heart”, cuarteto de New York que hace un pop/shoegaze ruidosillo de excelente calidad. Sus canciones, melódicas, pegadizas y enérgicas, están llenas de influencias que nos remontan a viejas glorias (My Bloody Valentine, Jesus and Mary Chain, Belle and Sebastian, etc.), por lo que se disfrutan y digieren a la primera escucha. Atención especial a la perfecta armonía de las voces y a “Everything with you”. ¿Amante del Indie pop? ¡Aquí lo tienes!.

"Hey sister" de Monguito Santamaría

Monguito Santamaría fue un pianista que grabó discos para el sello Fania. Como todos los músicos latinos afincados en el Nueva York de los sesentas, lo suyo fue un latin soul producto de la mezcla de sonidos y personalidades que emergieron a través de dicha discográfica. De esta forma, el jazz (de corte afro-cubano), el soul, el boogaloo y la salsa se entremezclan para dar forma en "Hey sister" a un disco poderoso (incluye bajo eléctrico), lleno de "groove" y de "punch", de ritmos trepidantes que inevitablemente te harán sacudir el cuerpo (a ritmo de puro boogaloo según los expertos). Y es que canciones como "Mambo New", "Chango", "Hey Sister" y "El Dorado" son realmente majestuosas. Escúchalo aquí, pero también en fiestas y reuniones, bebiendo coctéles, rodeado de amigos y gozando de la buena vida.

"Walk among us" de The Misfits

De todos es sabido que The Misfits fue una banda pionera, con una estética basada en las viejas películas "serie b" de terror, un vocalista carismático y una música que transpiraba horror (por el miedo, no por lo desastrozo de su interpretación); ellos crearon una serie de discos de los cuales el que aquí les presentamos es uno de los más representativos. La primera etapa de The Misfits tuvo una gran repercusión dentro de la escena punk, pero fueron más allá creando la variante "horror punk", haciendo que su legado e influencia fuera admirado por bandas incluso ajenas a este género (Metallica, Hellacopters, Earth Crisis, etc.). "Walk among us" es un disco fiel a sí mismo, con canciones de cuatro o cinco notas, que van de lo salvaje a lo festivo encuadradas dentro del universo de terror que recreaban en sus conciertos. Escúchalo aquí en compañia y bajo una noche de tormenta.

"Esplendor en la arena" de Hello Cuca

Hello Cuca es una banda española que hace un rock/pop/surf/rockabilly realmente superior. Influenciados por el viejo rock americano y con unas letras sobre situaciones cotidianas que pueden ser divertidas o no, esta recopilación incluye, a modo de retrospectiva, todos los temas que han hecho a excepción de los de su primer disco "Gran sur". Hello Cuca tienen la energía que el rock and roll nunca debió perder; cumplen con nota las expectativas de todos aquellos que aun creemos en los sonidos con aires sureños; ellos pueden hacer mover tu esqueleto espasmódicamente; !ah! y no olvides seguirle la pista a su vocalista: Lidia Damunt. No esperes más, escucha a Hello Cuca aquí.

“Coles Corner” de Richard Hawley

Richard Hawley es un tipo proveniente de Sheffield, ex Pulp, cantautor y –me atrevería a decir- poeta. Y digo esto porque este disco, publicado en el año 2005, está lleno de lirismo y melodía, une sigilosamente poesía y melancolía bajo una música con aires de los 60´s pero que a su vez suena muy actual; arreglos orquestales y guitarras de primera línea incluídas. Su voz, a veces amarga, me recuerda a todos los grandes crooners de la canción moderna: Leonard, Scott, Roy, Burt, Serge, Jhonny, etc. Asimismo, me encanta que el disco se llame “Coles Corner”, una esquina de su ciudad que sirve de punto de encuentro para amantes de ayer y hoy. De sus canciones, en especial de “The ocean”, sólo puedo decir que las escuches aquí.

“Voodoo Suite” de Pérez Prado

Existen artistas inclasificables, personajes a los que la historia coloca etiquetas y que son recordados como “el rey de”, “el padre de” y demás menudencias. Es el caso de Dámaso Pérez Prado. Ligado de forma intrínseca al mambo –del que se considera su máximo exponente-, la versatilidad del cubano es una asignatura musical pendiente de la cual se puede aprender mucho. Partiendo de la rumba y la salsa, Pérez Prado ideó una serie de ritmos que plasmaría en discos de poca repercusión comercial y que incluso podrían considerarse como atrevimientos para un artista de su categoría. “Voodoo Suite” es una muestra de ello. Grabado en 1954, nos ofrece una serie de canciones impregnadas de mambo, free jazz y percusiones africanas que parecieran crear una atmosfera oscura, que envuelve y que irreductiblemente nos arrastra a escucharlo de manera nocturna, porque a medida que suenan las trompetas, se relaja el cuerpo y se comparten confidencias. Algo único en su especie, por aquí lo encuentras.

“Buy” de James Chance & The Contortions

Algunas veces el jazz peca de soberbio y elitista. Por suerte, existen tipos como James Chance que lo rebajan a su nivel más bajo, él –un hombre blanco con actitud de punk negro- le deforma con ritmos frenéticos e imparables, que incluso pueden provocar la epilepsia musical. "Buy" es uno disco que nace de esa actitud, inscrito en la onda del No wave y el free jazz, sabe a New York por todos los lados, une técnica y sonido al servicio de melodías que parecen caóticas. Por ello se ha dicho que “Buy” es la versión sonora de la narrativa de Keruac; aquí lo tienes.

Otis Redding: "Live in London & Paris"

Hoy toca el turno de otro grande de la música de ayer y de siempre: Otis Redding. Ya poco se puede decir de él, Otis sentía el soul en cada músculo de su cuerpo, en vivo era un huracán que hacía cimbrar los escenarios; incluso su fuerza imparable hacía que la emoción metamorfoseara las canciones más ñoñas (atención a “My girl” ¡no parece una balada!) que se convertían en nervio puro y sí, incluso me atrevería a decir que estaba a niveles rockeros que ni los Rolling Stones oiga usted (“Satisfaction”, desde mi punto de vista, es la mejor versión que se ha hecho de esa canción). En 1967 Redding llevó a París y Londres su energía, y este disco es el testimonio de esa época gloriosa. ¿Quieres rock con toques soul? Por aquí lo encontrarás.

"Can You Deal with It?" de Andre Williams & the New Orleans Hellhounds

Todavía quedan por ahí algunos ídolos, Andre Williams es uno de ellos: viejo, ex junkie, ex homeless, ex motown boy y entrañable bastardo amante del soul, del rock y demás ritmos del “shake and movin”. Su último disco “Can you deal with it”, es –según los especialistas y un servidor- genial, rhythm & blues cerdo, divertido y energético. Vaya, que como dijo Quico Alsedo, es como si “Bukowski hubiera sacado disco con los Sonics.”. Empieza a bailar aquí mismo maldit@.

La "piñata" del Instituto Mexicano del Sonido

“Piñata” es un disco publicado en el 2007 por el Instituto Mexicano del Sonido, que es el proyecto del Camilo Lara, un mexicano que hace una especie de electro/hip hop a base de mezcolanzas varias y samplers; lo suyo va desde el rollo americano hasta la cumbia y la salsa y demás sonidos que así, modernizados, suenan majestuosos y fiesteros. Camilo está alejado del hip hop tradicional, se sitúa musicalmente en esa zona metafórica que es Tijuana, la tercera nación. Hace cosas alegres donde se vale prácticamente todo (ojo a “el micrófono” y a “Katia, Tania, Paulina y La Kim”), porque aunque no haya inventado nada nuevo –lo que hace ya lo han hecho otros como el Nortec Collective e incluso el Control Machete- lo suyo es digno de respeto. Por aquí lo encuentras.